作曲関係の蔵書 (全部は紹介しませんが、お勧めのものを。）
クラシック系
（ちなみに・・・音楽之友社さんの書籍が多いですが、紹介する作曲関連の理論書、技法書は、ほとんどが絶版ですね・・・。音友さんは、数年前から方針が変わったようです。要望の多いものに関して、再販の動きがあったと聞いたけれど、やっぱりいまだに「再販の予定無し」とのこと。読みたい人は、図書館で閲覧するか、「日本の古本屋」 http://www.kosho.or.jp/index.html で検索してみてください。）
�‖舒緬�
*二声〜
音友の下総の対位法（茶色の背表紙）を作法の基礎にして、「実用的二声」あたりで、調性、和声との絡みを理解するのがいいと思う。伝統的な二声作法書の欠点は、とにかく和声的（調性的）な説明（あるいは著者自身の教則書法上の理解）が不足している事。純粋対位法（いわゆるパレストリーナ様式）と調性対位法を説明無く混同してる本が多いでしょう。ありがちなのは、初歩的な作法、禁則による消去法はパレストリーナから、で、少し進んで、唐突に調性と絡んでくる。どう考えても、対位法は調性対位法から入る方がわかりやすいと思う。その場合の作法が禁則に於いて、パレストリーナの書法と重なるのは当然なんだけれど（つまりドミナント終止以外の声部の扱いは、この両者は帰納と演繹の関係な訳で）どの音を「選ぶ」かという点は、調性によって「意味」なり「なぜ」が明確になるわけで。むしろ、その後に、旋法の対位法（パレストリーナは教会旋法のみだけれど）として純粋対位法をやるのが面白い。
長谷川の「対位法」は、その辺はまだマシ(マシは失礼ですね。長谷川のは、後半が調性、器楽対位法）。
「作曲と演奏のための対位法」/ブラッハーは、簡潔でわかりやすい。けど、はしょりすぎ、というか到底、実習書では、ない。概論か、通論？手帳みたいなものか。
*バッハとフーガ
カラー譜のインベンションと、平均律クラヴィア/ボーケルマン。公論社（c1978)
主題(フーガの方は第一、第二・・・と）と対旋律を色分けして記譜。カノンの形式、主題の変形も符頭の形で分別。カラー譜ってのはあくまでこのアナリゼのための実用。平均律の方は全曲じゃないのが残念だけれど、バッハのこの二つの曲集のアナリゼでは究極的に役に立つ本。
あと、何よりおいしいのは、各曲の和声譜が独立して付いている。これだけの分量（インベンションは全曲）で、かつ一貫した方法で、フーガの和声付け（と言うか、抽出）がきっちりなされていて、しかも和声譜になっているのは、僕が知る限り、和書洋書双方でこれだけ。バッハの”器楽の”和声って点でも、超貴重な資料。
あわせて、市田儀一郎の音友の二冊（左すみ）と、福本正のが使える。でも、視覚的に「見渡せ」て、しかも細部の構造を見るという点では、ボーケルマンのカラー譜は最強。福本も市田の方も、「文章」で、フーガを分析するってことの限界が良くわかって面白い。これはなにも、フーガに限らないですけど。
ちなみにボーケルマンのは、初版は1900年。
カノン・フーガ/ヤダスゾーンは、まあ、あっても無くても。
背表紙の水色、薄い小冊子みたいのは、島岡譲の「フーガの実習」。国立音大の購買で買える。（てか、そこでしか買えない--ちなみに。国立音大に電話して、欲しいって言えば、お金の送り先を教えてくれるので、通販？みたいに買えますよ。）。これは、かなり優れた内容。書法として、最低限で簡潔な記述。
「フーガの実習」は、この通りにやると、「フーガが”書けてしまう”」というシロモノでもある。ただ、例題の動機に依存しちゃうと、アレなので、やはり先にニ声のカノン全般をしっかりやるのが良いと思います。
デ・ラ・モッテの「大作曲家の対位法」は、本当に良い本。読み物としても面白い。実は、対位法音楽史という感じの本で、とかくバッハに集中する対位法についての書法の静的な理解が、バッハ以前（ペロタン。〜1200年）から現代（12音）まで、広く、連続性を持って、かなり丁寧に書かれている。バッハがもちろん一番分量的にも大きいけれど、ここもかなり面白い。
�∀太次覆箸�）
普通の和声法は、島岡の「和声の原理と実習」が、まあ、なんだかんだとよく出来た本だと思う。「生きている和声」は、「調性的和声」と、わざわざ副題にするような時代（つまり、無調等々に対しての・・・）の和声法書なんだけど、面白い事に譜例のほとんどが、バッハの「器楽曲」から取られている。コラールじゃなくて。
「和声分析」/外崎、は、題名からすると、もちろんアナリゼの方に入るけれど、和声法の順序に従って、譜例が分析されていくというか、「実例集」？という感じ。
赤い背表紙（字がかすれてるやつ）は、ルドウィヒ・トゥイレの和声法。まあ、いわゆるスタンダード。
で、*怪しそうなの。ヒンデミットの和声学（第一巻）は、実は凄くまともで、伝統和声（調性ね）を簡潔に扱っている。例題の形態は、全体的に「数字つき低音」。和声法の教科書としては、そこは珍しいかもしれない。んで、二巻から本性をあらわします。
ヒンデミットの「作曲の手引き」は、一体これで何を手引きできるのか、本気で手引きしているのか・・・。名著、迷著。僕はこの本読んで、この本の手法で書ける人が居たら、本当に尊敬するよ。でも、やっぱり面白い。現代（印象派以降）の概念を、素材と構造に求めた、ロジカルな手法。あるいは、記号論理学を論理記号抜きで語るような本。まあ、要するに迷著だなあ。
松平頼則の「近代和声法」は「近代」？「非・西洋・調性和声法」といった内容か。ギリシャ旋法、グレゴリア旋法から始めて、東洋、日本、南洋、インド・・・ジャズ、全音音階、十二音・・・と行く。この厚さで、そういう内容だから、やっぱりかなり駆け足な所もあるけれど、物凄く濃い。
デ・ラ・モッテの「大作曲家の和声」は、対位法と同じく、和声史。これも凄く良い本。教科書ではない。和声記号が、今のドイツのスタンダードになっているものだけど、慣れないと読み難いかも。いわゆる和声法の「禁則」が、「解禁」？されていく過程ってのは、和声法の教科書にはありえない。そういう形での和声の発展成長が時代とキーパーソン的な作曲家の手法で紹介される。現代和声（シェーンベルクから現代まで）に関しての記述は、量的には少々不満だけど、ワーグナー、リスト、ドビュッシーそれぞれ、なるほど。つまり、作曲家の作品の個性は、そのひとの和声法に負う所が大きいって事で。
「ポピュラー・ミュージックのための和声学」。は、「ポピュラー・ミュージックのための」って言葉の意味がわからない。既にタイトルから破綻してる。もし、「ポピュラー・ミュージックの和声学」って事なら、途轍もなく貴重な本でしょう。これは、単に「クラシックの和声法」を「ポピュラーのコード表記で」つまみ食い的に、しかも、「クラシックの曲の譜例」に付けて解説する本。クラシックにも、ポピュラーにも半端なのが残念。
こういう本の限界？が、和声法と、ポピュラー音楽の、日本の教育の現状をよく表していると思う。でも良い本ですよ。
リディアン・クロマチック・コンセプトと、濱瀬元彦の「ブルーノートと調性」は、読む（使う）なら、両方をお勧めします。この二冊については、詳しくノートを書く予定。ともかく、日本語で読める、バップ以降の理論書となると、この二冊ははずせないでしょう。僕の結論？としては、両方とも「参考」にはなるけれど、「著者自身の方法論」、つまり、その人の書き方、行きかた、でしかない。むしろ、現代以降の手法ってのは、そういうことだろうと思う。これはヒンデミットにも、コステールにも当てはまるんだけど、倍音や倍音列を「根拠に」して、何らかの「物理的法則」なり、聴覚心理的法則だけれど、数として表現できる「物理っぽい法則」を提示するってのは、要するに「知的好奇心」の問題。・・・やっぱり、別にノートを書きます。
「ゼロビートの再発見」と「複合純正調の華・ノクターン」は、和声法ではなく、音律論の本。周波数表がきっちりしているので、調律可能なキーボードを持っている人にはお勧めの本。ノクターンの方は、よくもまあ・・・うならされる。著者の耳が良いというレベルを超えている。しかし、どーもショパン自身がこの本で推測されている感覚で、ノクターンで調を使い分けたかって言うと・・・。うむむ。ただ、ギターの調弦に関しても改めて考えさせられるし、ある程度の示唆と実用があると思う。
日本旋法、日本和声とモロ現代系
先ず最初に、シェーンベルクの「作曲の基礎技法」はシェーンベルクが書いた伝統的な楽式論で、和声、対位法とこれで３部作の教科書。現代じゃないです。しかし、さすが、シェーンベルク。この人は連続性の人だと再確認。
和声の変遷（ケックラン）、２０世紀の和声法（パーシケッティー）、２０世紀の対位法（セアール）の３冊は、現代和声史と言ったところの読み物。教科書でもないし、著者自身の手法を説く本でもないのだけど、譜例に挙がるものが的確で簡潔。静的な観察から、概念というより現象的に現代和声と、拡大した調性に伴って発展した対位法について書かれている。知らない曲も随分多いんですが、断片的に取り上げられているものも、ネタ、情報として貴重。面白い。
で、コステール「和声の変貌」・・・これは。「音高組織の論理」と題される通りなんだけど。少なくとも、概念として、手法として、音と音の関係を、「重力」、「牽引可能性」（音が引っ張られる可能性）、多角形の頂点と辺の関係で重音、音階を理解すること等々、参考にはなると思う。ただ、これが、実用性があるか、つまり実証可能、反証可能で・・・という事になると、明らかに破綻しているロジックや恣意的な定義が多い。でも、こういう本は貴重だよね。
「バルトークの作曲技法」/エルネ・レントヴァイ。これは・・・最初の一章は、５度圏を図形として発想する、中心軸のシステム、対象性・・・等々の幾何学への音組織への投射（あくまで概念としての、ね）について貴重な資料だし、とても面白いんですが。黄金分割とか、フィボナッチの数列・・・さっぱりわからない。わかりません。数学わかる人には、面白いんだろうなあ。いや、面白い本ですが。
数字、幾何と、組み合わせのロジックってのは、実はギターって楽器の原始的な性格だと思う。だから、もし本当に（だって数学わかんないから・・・）バルトークがこの本にあるような、数学的、算術的アプローチをしていたのだとすれば、これは大いに参考になると思います。ギターって、純粋に指板上の形、点と線・・・って書き方、弾き方が出来ちゃうし、そういうアプローチをする場合のひとつのネタとして、面白い。
「日本和声」（1996）小山清茂（たにしの会）と「日本旋律と和声」（1931！！）坊田寿真の二冊は、日本旋法（いわゆる陰、陽旋法、田舎節、都節等々）の和声に関しての貴重な二冊。ここで考えられる和声法は、全音階の3度堆積による旋法の和声付け、あるいは、機能和声による旋法の和声付けではなくて、旋法の構成音による、「旋法機能和声」とでも言うべきシステムの提示。ところが。「日本和声」は、根からの上方への堆積、「日本旋律と和声」は、旋律から、下方への懸垂によって、和音を構築するという、根本から違う方法をとっている。当然構成音や、機能も異なる事になる。共通性はもちろんあるのだけれど、真っ向から違うわけで、これはなかなか面白い。同時に、なかなか難しい。どういうことかというと、どちらも、それなりの説得力があるので。
旋法の主音（核音）と、完全音程の重音による主和音、つまり、核和音＝根、完全4度、完全5度（上方堆積：日本和声）と、主音を根音から下方へ懸垂する構成での、主音→5度→2度の三和音（三種音和音：日本旋律と和声）と、主和音からして違うわけだけれど、それぞれの主和音へは、旋法の横の動き、つまり、主音（核音）への旋法的順次進行のベクトルの束として、属和音的（日本和声では導和音）機能が導き出される。
「日本和声」の方は、「たにしの会」（名義の作曲家の集団）で、ピアノソナタ（これも、良いです。）や、童謡民謡の編曲、合唱曲集を出版していて、実例も多い。けれど、「日本旋律と和声」は、システムという点では、とてもはっきりしている。で、「日本旋律と和声」の和声法に準拠した、「童謡民謡の弾き語り（ギター）」の楽譜集（別の著者）が、これは手に入らなくてコピーなんだけど、本棚にある紙の束。これで弾いてみると、これもとても説得力があるんだよね。
要するに、「旋法の”機能”和声」というのは、現代以降の思考なわけで、和旋法に限らず、西洋和声法のような伝統、あるいは共通性というものが無いのは当然。つまり、ひとつの方法論の提示ということになる。「日本和声」の方は、機能和声の提示、構築に関して、「なぜ」が乏しい。反対に、「日本旋律と和声」の方は、明快な和音の構築法だけれど、三声で、根が常にソプラノにある、あるいは、４声は基本的に外声が根（重複）というスタイル、つまり下方への懸垂という方法には正直戸惑う。結局の所、両方のスタイルから、響きも、機能も簡潔で合理的なシステムを自分で書くしか無いと思います。で、和旋法に限らずというのは、いわゆる教会旋法についても、五音階を軸とした和音、和声によって、機能和声、また必然的に4度音程の和音の論理的な根拠として応用できるという点でも、この二冊の提示するロジックの価値は大きいと思う。
で、マイルス・デイヴィスのカインド・オブ・ブルーでの、4度堆積の和音で、ルート（ベース）がモードの主音で、エヴァンスが弾くコードで頻度の高い形、構成音が、上記二冊の提示する和音と重なるのが面白い。もちろん、エヴァンスのは、印象派からの4度堆積和音の引用で、よりダイアトニック寄りの平行性が高いわけだけれど、動き、解決感（もちろん、ドミナントのケーデンスじゃなく）に於いても、かなりの共通性がある。「日本旋律と和声」は、1931年だからね・・・しかも、旋法の和音を「和声」として機能を付与する所まで考えていて、ある程度の組織立てに成功しているわけで、とんでもない本。マイルス（とハービー・ハンコック）の方は、カインド・オブ・ブルーから先、4度堆積に関して、Ｓｕｓ４、あるいは分数和音の扱いへ傾く（つまりＳｕｓ４、分数和だけでは、どうも説明不可なものも多いでしょう？）ことで、「コード」と旋法、あるいは、非機能和声と「コード」の方向へ行くわけだけれど、「４度和の機能性」の根拠を、５音階による和音に求める事が出来るっていうロジックは、もっと注目されて良いんじゃないだろうか。というか、ドビュッシーの和声も突き詰めればそういうことだろうと思う。当然、「日本旋律と和声」はそれを意識しているとは思うけれど、その辺にはほとんど触れていない。
「日本旋法」松本民之助は、上記二冊の中間の時代（1965）にいて、上方への堆積、下方懸垂、両方を提示して、結局の所、下方懸垂の和音をとっている。著者自身による編曲と、自作曲で実例は豊富なのだけれど、組織性、機能性となると、本人さえ章の終わりに、「これから探求したい」と書いてるほどで・・・。つまり、主に二声の、構成音による対位法中心の技法の提示まで。和声に関しての記述よりも、日本古謡の五線で記譜されたものや、日本旋法に於けるリズムなどが貴重な資料になる。
つづく。
旋律法と拍節、分節法系
紹介は後ほど。
音楽心理学、その他、読み物系
紹介は後ほど。